JULIA IST


Tras triunfar en el Festival de Málaga 2017, donde ganó el Biznaga de plata a la mejor película y dirección, llega a nuestras pantallas “JULIA Ist “, una prometedora ópera prima basada en la experiencia personal de su directora Elena Martín, quien también actúa con la misma brillantez que dirige, para traernos la experiencia agridulce del Erasmus, una historia valiente, honesta , audaz, natural y llena de verdad, le sirve para hacer un ejercicio de auto descubrimiento personal, sobre ese momento crítico en la vida donde abandonamos nuestra zona de confort, para empezar a tomar nuestras propias decisiones, nuestro propio camino y descubrir el adulto que llevamos dentro.


El guión escrito a cuatro manos por la propia Elena Martín, acompañada por María Castellví, Marta Cruañas y Pol Rebaque, es sólido, con una historia bien tramada con personajes muy bien definidos y nos introduce en la vida de Julia ( Elena Martín), una estudiante barcelonesa de arquitectura, que se va a Berlín de Erasmus, dejando atrás a su pareja Jordi (Oriol Puig) y a su familia. Una vez allí, completamente sola se encuentra con un Berlín frío y poco acogedor, costándole su adaptación, por primera vez, se da cuenta de que no se conoce tan bien a sí misma como pensaba y que no tiene ni idea de lo que quiere hacer con su vida.

Su bajo presupuesto, la verdad, no afecta la calidad de una película levantada con toda la ilusión de un grupo de estudiantes de la Pompeu Fabra, con el objetivo de sacar adelante su proyecto de fin de carrera.


Técnicamente, está historia de personajes está narrada con planos cortos y cerrados, para centrarnos así en las emociones de los personajes, usando el recurso de la cámara en mano, para dar esa sensación de sutil movimiento, la cámara parece seguir a un personaje captando con naturalidad sus experiencias vivida, narrada en primera persona, sabe transmitir esa sensación de soledad, deseo destacar el uso con naturalidad del fuera de campo y el fundido a negro para pasar de un día a otro, denotando un gran conocimiento del lenguaje audiovisual, por todo ello se erige desde ya, en una de esas directoras a las que pienso seguir de cerca.

Cada vez que un director habla sobre una experiencia personal, la película sale fortalecida y esta no es menos, la directora sabe lo que contar y como contarlo, estamos ante una película de autoficción, que hace de la naturalidad interpretativa el alma mater de este retrato de la soledad, con una muy interesante evolución del personaje principal, título intimista llena de verdad y emocion la sala de cine,  tocando la fibra sensible de un espectador que se identifica rápidamente con una historia ágil y atrevida que nos hace recordar con añoranza tiempos pasados.




EL JARDÍN DE LAS PALABRAS


Romance y dolor bajo la lluvia:

El director de anime, Makoto Shinkai, vuelve a deleitarnos con un drama romántico, sútil, delicado, luminoso, con un gusto por el detalle, aunando tanto belleza artística como técnica, haciendo de cada escena un deleite a la vista.

Bajo el romanticismo de las gotas de lluvia, Shinkai, nos conmueve con una historia sobre la soledad, los sueños y el dolor, introduciéndonos en la vida de Takao Akizuki, estudiante de 15 años, cuyo sueño es convertirse en diseñador de zapatos. Durante el mes de Junio, la temporada de lluvias en Japón, prefiere pasear bajo la misma que tomar el tren a la escuela, en una de esos días, se encuentra con una misteriosa mujer bajo una pérgola mientras se resguardan de la copiosa lluvia, ella bebe cerveza y come chocolate, él dibuja sus zapatos, empiezan a dialogar, decidiendo encontrarse en el mismo lugar cada día de lluvia, empezando así una estrecha relación donde el diálogo les irá bien a ambos. Por desgracia todo lo bueno se acaba y cuando termina la temporada de lluvias, Takao, no tiene ningún pretexto para faltar a la escuela, descubriendo la verdadera identidad de la misteriosa mujer, haciendo zozobrar los cimientos de su relación.


Es un retrato de lo cotidiano, de cómo degustar esos pequeños momentos placenteros que te da la vida, una historia intimista, sencilla, pero nunca simple, con un guión construido sobre dos personajes que se retroalimentan, que se necesitan en un momento concreto de sus vidas, Takao, porque no tiene muchos amigos, es retraído, siempre en su mundo, soñando con crear zapatos y con esa angustia interior por saber si tiene el suficiente talento para realizar su sueño, mientras ella, Yukino, se encuentra en un momento muy malo de su vida y necesita fuerzas para volver a vivir la vida, con estos mimbres el célebre director Japonés nos hace un retrato de la soledad y el dolor que conlleva el desamor, a través de unas imágenes muy cuidadas, una animación que deja sin aliento, por cada reflejo, por como caen las gotas en los charcos o estanques, por como se desprende la tiza cuando el maestro escribe en la pizarra y un sinfín de detalles, donde se hace difícil distinguir entre dibujo y realidad, pura poesía visual, muy bien amenizada con una preciosa banda sonora ideada para tocar la fibra sensible del espectador.



Tal meticulosidad por el detalle hizo de este mediometraje (dura 45 min) todo un éxito de taquilla el año de su lanzamiento (2013) y no es de extrañar, pues el director toca la fibra sensible de un espectador que entra de lleno en una historia con la que es fácil identificarse, con escenas llenas de ternura y delicadeza, como cuando ella se saca el zapato suavemente y él poco a poco acerca su mano para tocarle el pie, puro cine para amantes de los dramas románticos, que a bien seguro soltaran alguna lagrima, si aún no conoces el anime, no hay mejor película para adentrarte en él.


HIROZAKU KORE-EDA

HIROZAKU KORE-EDA
CUANDO EL CINE ES ARTE:

Hirozaku Kore-eda, nace en 1962 en la ciudad de Tokio, director, guionista y productor de cine, licenciado en la Universidad Waseda en 1987 y empezó a trabajar en TV Man Union, donde realizó premiados documentales. En 2014 fundó la productora Bun-Buku. 

Sus títulos son tan brillantes que poseen toda mi admiración y respeto, estamos sin duda ante  el más notable director Japonés de la actualidad, cuyas cintas son pequeñas joyas, por la sencillez, realismo, belleza y sensibilidad con la que las aborda, bajo su precisa dirección lo rutinario sobresale con lucidez, estamos pues, ante un retratista de lo cotidiano, cuyas películas exploran temas como los problemas familiares, la memoria, la muerte y asumir la pérdida, mostrando a la perfección la sociedad japonesa, dividida entre tradición y modernidad.

Hirozaku Kore-eda

En un principio Koreeda quería ser novelista, lo que se aprecia por la claridad de sus guiones, su cine está influenciado por Yasijuro Ozu y muy especialmente por su director favorito, Mikio Naruse.
Desde sus inicios como director de documentales para la televisión, ha sabido crear un discurso propio, coherente y reconocible, a lo largo de sus años de carrera, cuyas características son las siguientes:

         Estilo pausado, ralentiza el tiempo, lo hace eterno, llenándolo de                          música, belleza, sensibilidad, emoción y elegancia
        Historias muy humanas, familias o parejas en conflicto, donde  peligran 
         sus vínculos de unión.
        Fijación por las relaciones entre padres e hijos, pues el propio Koreeda,               tuvo una relación complicada con su padre ya fallecido.
        Sus historias buscan ser un fiel reflejo de la vida, no solo por estar rodadas           de una forma muy natural, sin artificios visuales, sino también por esa                   combinación de drama y comedia, de lo dulce y lo agrio, de las relaciones             humanas.
        Retrato de lo cotidiano, con una gran delicadeza, donde una comida, un               partido de fútbol, un brindis,….. adquiere importancia
        Películas intimistas.
        Un sentido del humor que roza la ironía.




Para Kore-eda, las películas son una forma de narrar una historia sencilla que no simple, mostrando una serie de temas que fluyen desde sus diálogos y miradas, creando más que cine, arte, gracias a uno fotogramas de belleza sinigual,que son  todo un deleite a la vista.

EL TERCER ASESINATO


JUSTICIA ENGAÑOSA


Dirección/guión: KORE-EDA HIROKAZU. País: JAPÓN. Interpretación: MASAHARU FUKUYAMA (Tomoaki Shigemori), KOJI YAKUSHO (Takashi Misumi), SUZU HIROSE (Sakie Yamanaka) . Fotografía:  MIKIYA TAKIMOTO Diseño de producción: YOHEI TANEDA. Montaje: KORE-EDA HIROKAZU Sonido: KAZUHIKO TOMITA Música original: LUDOVICO EINAUDI. Duración: 124 min. Distribución: GOLEM . Fecha de Estreno: 27 de Octubre 2017



El conocido abogado Shigemori defiende a Misumi, acusado de robo con homicidio, que ya cumplió pena de cárcel por otro asesinato hace treinta años. Las posibilidades de que Shigemori gane el caso son escasas ya que su cliente reconoce ser culpable, aunque esto probablemente signifique la pena de muerte. Pero a medida que desentraña el caso y escucha los testimonios del propio Misumi y de su familia, Shigemori empieza a dudar de la culpabilidad de su cliente. 


El cine de Kore-eda es poesía pura, como se ve en “el tercer asesinato”, donde la contundencia de las imágenes se ven edulcoradas por los sutiles toques de piano de Ludovico Einaudi, todo ello para introducirnos en un drama legal muy humano con aires de thriller, un género totalmente diferente a los melodramas familiares que nos tiene acostumbrados, aunque en la subtrama continúa tratando las dificultades de las relaciones paterno filiales tan características de su cine, eso sí, abordándola desde una perspectiva diferente, pues la trama principal es una profunda reflexión sobre la verdad, donde esta se pone a juicio, para mostrarnos las imperfecciones del sistema legal, donde normalmente se prescinde de ella, para adaptarnos a los intereses del cliente, tal y como cuenta el propio Kore-eda, ., "al hablar con varios letrados, concretamente el asesor legal de  "De tal padre, tal hijo", todos me dijeron lo mismo: “No se descubre la verdad en los tribunales”. Y solían añadir que en la mayoría de casos no se llegaba a saber la verdad, lo que me pareció muy interesante. Fue entonces cuando pensé en rodar un drama legal en el que nunca se sabe la verdad".
EL TERCER ASESINATO - Hirozaku Kore-eda
La trama se centra en la vida de Shigemori (Masahary Fukuyama), un reconocido abogado que tiene la difícil papeleta de defender a Misumi (Kôji Yakusho), acusado de robo con homicidio, que ya cumplió pena de cárcel por otro asesinato treinta años atrás. Las posibilidades que Shigemori gane el caso son escasas, pues su cliente reconoce ser culpable, aunque esto probablemente signifique su pena de muerte. Pero al investigar intensamente su caso, para encontrar la mejor defensa posible, éste se complica, por las mentiras de todas las personas implicadas, descubriendo detalles que le harán reflexionar sobre la moralidad y la bondad del ser humano, aún cuando el espectador le ha visto cometer el crimen, la trama sabe mantener esa luz sobre un personaje al que se le mira con piedad y ternura.

“Nunca sabremos cual es la verdad”, esta frase define la película, pues no conocemos todos los datos que han llevado a un hombre a cometer un acto atroz, hasta la parte final del film, creando una ambigüedad en el espectador, quien al ir conociendo las piezas del puzzle, acaba juzgando y debatiendo internamente si hacer algo malo, por un buen motivo, es igual de malo o al estar absolutamente justificado, es perdonable, una muy interesante reflexión que cada uno deberá responder.

Masahary Fukuyama - Kôji Yakusho
Me parece muy interesante como trata los prejuicios, abordándolos con una preciosa fábula; un grupo de ciegos, se encuentran frente a un elefante. Tras mucho discutir, no pudieron ponerse de acuerdo sobre que era ese animal, pues uno le tocaba la trompa, otro la oreja, otro una pata, etc, nosotros solemos juzgar por lo que vemos, conociendo solo una pequeña parte de un ser humano, una parte pese a ser real, no tiene porque representar a la persona, toda una lección que deberíamos aprender.

Kore-eda, sin duda, el cineasta Japonés más importante del momento, capaz de introducirnos de lleno en una trama pese a su ritmo lento, con un inicio brillante y unos giros argumentales muy bien ideados desde un guion sin fisuras, creando una narración fluida, Kore-eda sabe lo que quiere y cómo conseguirlo rodando de una manera impecable, creando un cine con fondo y forma.

El fondo, una reflexión sobre la maldad humana, sobre seres humanos que juzgan a otros seres humanos, muchas veces erróneamente, a través de prejuicios y sobre un sistema judicial donde no siempre “la verdad nos hace libres”. La forma, a través de un diseño de producción sin artificios, logra unas imágenes de gran belleza, recordando al cine negro de los años 50, con planos cercanos, destacando ese contraste entre luces y sombras, muy alejado de sus grandes títulos “De tal padre tal hijo”, “Nuestra hermana pequeña” o “ Después de la tormenta”, donde prevalecía la luz natural.
 
Koreeda, es uno de esos directores que nunca falla, poniendo toda su pasión e ingenio, al servicio de este drama judicial, deleitándonos con un retrato perfecto del sistema judicial, atrapando de lleno al espectador pese a su ritmo lento, con una imágenes de bella factura, todo ello con la brillantez, agilidad y claridad, que nos tiene acostumbrados el maestro Kore-eda, quien incorpora a esta película todos los ingredientes del mejor cine clásico Japonés, a saber; tradición, sentimiento, emoción, dramatismo, relaciones familiares complejas, reflexión ,….. creando un cóctel de puro cine, ideal para degustar sorbo a sorbo, de aroma amargo deja en el paladar ese sabor dulce a buen cine.



          

LA LLAMADA




Director /Guión: Javier Ambrossi / Javier Calvo. Género: Comedia / Músical     País: España. Reparto: Macarena García, Anna Castillo, Belén Cuesta, Gracia Olayo,  Richard Collins-Moore, Secun de la Rosa. Duración: 108 min. Productora: Apache Films / Sábado Películas / RTVE / Distribución: DeAPlaneta. Fecha de Estreno en España: 29-09-2017


Segovia. Campamento cristiano “La Brújula”. Bernarda, una monja recién llegada, quiere salvar el campamento con su canción “Viviremos firmes en la fe”. La hermana Milagros, una joven con dudas, recuerda lo mucho que le gustaba Presuntos Implicados. Y María y Susana, dos adolescentes castigadas, tienen un grupo que se llama Suma Latina. Pero desde que Dios se le aparece a María una noche, todo está cambiando. Y es que a Dios le encanta Whitney Houston.


Tras cuatro años de éxito en el teatro Lara de Madrid, sus creadores Javier Calvo y Javier Ambrossi, más conocidos como "los javis", han decidido trasladar la obra "la llamada" al cine, dar ese paso no es nada fácil, pues son dos mundos con lenguajes muy diferentes, adaptándose al medio cinematográfico sin problemas.

Comedia musical con tonos dramáticos, así es la película "la llamada", tan fresca como divertida, sabe dibujar una sonrisa en el rostro del espectador, mientras sus pies no paran de moverse al compás de la música de Whitney Houston o Presuntos implicados, abordando el paso de adolescente a adulto con humor, gracia y soltura, llenando la sala de cine de energía positiva y buenrrollismo, cuyo punto fuerte sin duda son las grandes actuaciones de su cuarteto protagonista, Macarena García, Anna Castillo, Belén Cuesta y Gracia Olayo, en cuya química y buen hacer, se aposentan los cimientos de la película.

J. Calvo - Belén Cuesta - Anna Castillo - Gracia Olayo - Macarena García - J. Ambrossi - equipo LA LLAMADA
La trama nos introduce en la vida de dos adolescentes María Casado (Macarena García) y Susana Romero (Anna Castillo), de 17 años, que han ido a parar a un campamento femenino de verano al aire libre llamado "la brújula", dirigido por monjas, en la sierra de Madrid, allí pasan el fin de semana castigadas por haberse escapado la noche anterior, donde serán vigiladas por dos monjas: Milagros (Belén Cuesta), joven y manipulable, con dudas razonables sobre su fé, mientras la otra Bernarda (Gracia Olayo), es una monja clásica, carca, pero con buen corazón. Su convivencia cambia cuando a una de las niñas se le aparece Dios en sueños, cantándole canciones de Whitney Houston, a partir de ahí sus vidas cambiarán por completo.

Belén Cuesta - Anna del Castillo -La llamada
Los Javis, son más conocidos por su faceta de actores, actuando en las populares series "física o química" o "sin tetas no hay paraíso", tras dirigir la exitosa serie "Paquita Salas", ahora dan un paso más en su carrera haciendo su primera película, una ópera prima atrevida, pues se aposenta en un guión raro en su concepción, divertido en su desarrollo, con una puesta en escena simple, apuestan por planos medios y cortos, en una cinta sin más pretensiones que divertir al espectador, pues está exenta de moralina.

Este es un claro ejemplo del gran estado del cine español, atreviéndose con un género que parecía perdido en nuestro cine actual, pero que dio buenos títulos en el pasado como "sor citroen", aunque este título está más cerca de "sister act", cine musical con monjas llenas de vitalidad, modernas, de esas que se apuntan a un bombardeo, intentando influir en las nuevas generaciones.

Gracia Olayo - Belén Cuesta - La llamada
"Más fuerte es lo tuyo que te mola Dios", la película aborda con humor, un tema de gran trascendencia, el paso de adolescente a adulto, donde las jóvenes acaban descubriendo quiénes son y que quieren, dejando atrás a las adolescentes juerguistas.

"Se me está apareciendo un señor y desde que se aparece no soy la misma", eso mismo le pasa al espectador, pues la cinta es un chute de energía positiva, la película aborda desde la fé, un cambio vital, donde las jóvenes acaban encontrando su lugar en el mundo.

Esta película no sería nada sin el gran trabajo de las actrices que estan soberbias, Macarena Gracia,  te conquista con su sonrisa, el papel parece hecho a su medida, su actuación en "Palmeras en la nieve"(crítica) ya llamó mi atención, ahora se aposenta como uno de los grandes talentos jóvenes de nuestro país, Anna Castillo, ya nos deleito en "el olivo" (crítica), donde obtuvo un Goya como actriz revelación, está llena de desparpajo, vitalidad y un punto de locura juvenil, lo borda, Belén Cuesta, es la gracia el punto de humor, solo con oírla hablar ya dibujas una sonrisa en tu cara, simplemente genial, Gracía Olayo, es el contrapunto, intenta poner un punto de cordura, se cree muy moderna, pero está anclada en el pasado, todas ellas te conquistan por su verdad, emoción cariño , gracia y desparpajo, la película sin duda no sería lo mismo sin ellas.

Macarena García - La llamada 
"La llamada" es un canto a la vida, descarada, graciosa, arriesgada, luminosa, sorprendente y llena de desparpajo, donde sus protagonistas te conquistan desde el principio con sus diálogos llenos de humor, unido a su gran selección musical, nos hallamos ante un título que transmite alegría por los cuatro costados, seguramente por todo ello,  la sala de cine estaba repleta, sobretodo de gente joven, aunque lo que más me impacto fue el aplauso unánime de la misma, algo no muy habitual, así que felicidades al equipo, yo también me uní al aplauso unánime y tú ¿a qué esperas a hacerlo?.



             

  

KATHRYN BIGELOW: una directora de armas tomar

Kathryn Bigelow

Directora de cine, guionista y productora Estadounidense, nacida en California, concretamente en la ciudad de San Carlos, el 27 de Noviembre de 1951.
Hija de un directivo de una empresa de pinturas y una bibliotecaria. Estudió en la Universidad de Columbia, comenzó su carrera artística como pintora y algunas de sus obras fueron expuestas en el Whitney Museum  de Nueva York. Fue miembro del grupo radical Art and Language y editó la revista teórica Semiotext.
Estuvo casada con James Cameron desde 1989 hasta 1991, con él formó pareja artística en varias películas.
Antes de dedicarse al cine, fue agente de policía, lo que puede dar ciertas luces, del porque centra su carrera cinematográfica en el cine de acción, en todas sus ramas, bien sea bélico, futurista, thriller e incluso, de terror, pocos cineastas muestran la violencia como ella, aunque sus películas no siempre tuvieron el beneplácito de la crítica.

Hace un cine tan vibrante como comprometido, es una cronista del momento actual, mostrando algunos de los acontecimientos más incómodos y traumáticos de la historia reciente de los Estados Unidos, narrando siempre la historia desde dentro, mostrando su lado humano e introduciendo al espectador en la acción gracias sobre todo al brillante y potente uso de sus imágenes cámara en mano, siempre interesada en representar la violencia en el cine, usándolo como método de reflexión.

Debutó en 1982 con "The Loveless", codirigida junto a Monty Montgomery (ambos pertenecían a la escena alternativa, bohemia y experimental de Nueva York), violenta historia de motoristas macarras, protagonizada por Willem Dafoe influida por Kenneth Anger y en la que ya se apreciaba su interés por la estética y el elemento intelectual dentro de su trabajo, aunque se tratara de una película de género, no obtuvo un gran reconocimiento.

Empezó a obtener reconocimiento en 1987 llegaría su espaldarazo definitivo gracias a "Los viajeros de la noche", considerada por muchos como la mejor película de vampiros de la era moderna, introduciéndonos en la acción a través de un western diferente, se convirtió casi de manera inmediata en una película de culto.

En "Acero azul" (1989) abordó su primer gran personaje femenino contundente de su carrera, por su pasado podría tener algo de autobiográfico, describe a una de esas mujeres que, como ella, deben demostrar que son todavía más fuertes y poderosas que sus compañeros de trabajo, en un sector dominado por los hombres. La singular Jamie Lee Curtis se metía en la piel de una agente de policía que se veía sumergida en una espiral de violencia, así como en las contradicciones de su profesión en lo relativo al verdadero significado de la ley y de sus márgenes. 
Kathryn Bigelow - Le llamaban Bodhi
Con "Le llamaban Bodhi" (1991) tiene en el suspense y la intriga como elemento principal de la historia, con ella tuvo éxito tanto de crítica como de público. La película sobre surferos y atracos protagonizada por Keanu Reeves y Patrick Swayze,en lo mejor de sus carreras, convertida en película de culto, sobre todo por la capacidad de Bigelow no solo por rodar escenas de acción, llenas de persecuciones, atracos y saltos en paracaídas, sino por su instinto a la hora de describir el mito de la contracultura americana a través de la figura de un hombre, Bodhi, erigido como símbolo de la libertad dentro de una sociedad repleta de taras.

Si la naturaleza, las olas, la playa, constituían los principales elementos de su anterior película, en "Días extraños" (1995) una distopía apocalíptica, un thriller cyberpunk  que se inserta en el territorio de la noche y de las drogas sintéticas, retrato con elegancia el final del milenio en el que nadie necesita salir de casa, pues la tecnología nos la inyecta todo directo a la mente, a pesar de la decadencia del entorno descrito por Bigelow, se respiraba un halo romántico gracias al personaje que interpretaba Ralph Fiennes. 

A partir de ese momento la trayectoria de la directora se sumergió en una etapa confusa. La fallida "El peso del agua" (2000) un interesante thriller no muy valorado y la superproducción insatisfactoria con reparto de lujo "K-19: The Widowmaker "(2002), hasta que consiguió renacer de sus cenizas gracias al éxito inesperado y el reconocimiento de "En tierra hostil" (2008), que le proporcionaría seis Oscar de la Academia, entre ellos el de mejor película y mejor directora, convirtiéndose en la primera mujer en alcanzar ese galardón en la historia,  donde la guerra de Irak es el marco de un thriller tan tenso como asfixiante, escenario perfecto para crear un discurso antibelicista, visto desde el punto de vista de un soldado que forma parte de una unidad de artificieros en Iraq, nos expone la vulnerabilidad de los soldados, mostrando todas sus peligrosas adicciones.

"La hora más oscura" (Zero Dark Thirty) (2012), crónica político judicial, centrada en los atentados del 11-S, a través de la agente de la CIA, una brillante Jessica Chastain, otro de sus brillantes retratos femeninos, una mujer fuerte e inteligente debe demostrar que sus teorías sobre la situación de Bin laden son correctas, gracias a ella se realizó la detención del líder de Al-Qaeda,  su punto fuerte fue mostrar como la CIA está por encima del bien y del mal,  para ellos lo único importante es conseguir su objetivo.

Tanto en estas dos últimas como ahora Detroit, potente denuncia de las miserias racistas norteamericanas, poseen un punto en común, son crónicas de los acontecimientos más embarazosos de la historia americana, contado desde dentro, con una perspectiva intimista y global , sin tomar partido, eso ya lo hace el espectador, a través de una mirada incisiva y contundente, de una directora a la que no le importa mostrar lo peor del ser humano, con el fin de proporcionar al espectador una profunda reflexión de unos momentos puntuales de la era moderna.

LA REINA VICTORIA Y ABDUL


LA AMISTAD NO SABE DE CLASES


Dirección: Stephen Frears .Guión:  adaptación de la obra de Shrabani Basu Reparto: Judi Dench, Adeel Akhtar y Eddie Izzard . Distribuidora: Universal Pictures. Fecha de Estreno: 22 de Septiembre 2017




En la celebración de los 50 años de reinado de la Reina Victoria, Abdul Karim, conocido como 'El Munshi' viaja desde la India a Gran Bretaña para participar en el jubileo. 'El Munshi' es un joven secretario indio por el que la reina se interesa creando un afecto especial. Entre ambos se acaba forjando una estrecha amistad y alianza mal recibida dentro de la Casa Real debido al cambio de mentalidad que comienza a darse en la reina. Karim acaba siendo nombrado Secretario de la India, cargo que ejerció durante los últimos 15 años de vida de la monarca. Una historia sobre como la amistad puede cambiar a una persona, una vida. 



Ávido de encontrar historias desconocidas, me topo una auténtica gema, oculta durante más de un siglo, presentada en la pasada mostra de Venecia, llega ahora a nuestras pantallas, "La reina Victoria y Abdul", un amable y divertido melodrama histórico, sobre el valor de la amistad por encima de todo, esa amistad que tanto cuesta encontrar, pero cuando lo haces no puedes dejarla escapar, seguramente, eso mismo debió pensar la reina Victoria luchando por ella contra viento y marea.


El guión firmado por Lee Hall "Billy Elliot", narra la extraordinaria historia real de la insólita amistad surgida entre la Reina Victoria (Judi Dench) y un joven criado, Abdul Karim "el Munshi" (Ali Fazal), que se convierte en su profesor, su consejero espiritual y su amigo incondicional, un ayudante indio musulmán de la reina victoria que ganó su afecto durante los últimos quince años de su reinado, historia basada en el libro "Victoria & Abdul: The True Story of the Queen’s Closest Confidant", escrito por  la periodista Shrabani Basu, a partir de los diarios y cuadernos de sus protagonistas, la historia se mantuvo oculta debido a que el hijo de la reina, Bertie, futuro Rey Eduardo VII, destruyó toda la correspondencia intercambiada entre su madre y el Munshi.


La película se sustenta tanto en la química entre sus protagonistas como en la extraordinaria interpretación, una más, de Judi Dench, quien ya nos tiene acostumbrados a sus papeles de reina como vimos en "Shakespeare in love" (1998) , película que tuvo una gran acogida tanto de crítica como de público y acabó ganando 6 Oscars de la academia, entre ellos el de mejor actriz de reparto a Judi Dench, quien seguramente nunca pensó que volvería a dar vida al personaje de la reina Victoria, a quien ya encarnó en "su majestad Mrs Brown" (1997), una película que me recuerda mucho a la que me ocupa, basada en hechos reales donde una monarca deprimida, lleva una monótona vida, que un sirviente se encarga de reavivar, mientras lucha con un entorno que no entiende la relación entre ambos.

"Nadie sabe lo que significa ser reina, es un cargo imposible", esta extraordinaria relación sin precedentes, desató una auténtica batalla campal en la residencia real, enfrentando a la reina tanto contra toda su familia como a su corte cuyos miembros se sentían superiores a él. La reina insistió en que Karim la acompañara en sus viajes, lo que provocó discusiones entre ella y sus asistentes, provocando toda una revolución en la vida en palacio, creando una revuelta contra la soberana, pues toda la Casa Real tramó contra él, pero la reina fue fiel a él y a su amistad.


Esta historia es aprovechada, para tratar temas de suma importancia muy vigentes hoy en día, pues habla de un choque de clases, mostrando la tensión entre las diferentes culturas, pero también habla de tener una mente abierta, algo de los que muchos mandatarios carecen, explorando con humor cuestiones polémicas como; la raza, la religión y el poder, así como la farsa del imperio inglés, a través del prisma de una amistad tan inusual como conmovedora.

El director Stephen Frears, se adentra una vez más en las intrigas de palacio, donde se mueve como pez en el agua tras rodar,  "la reina" (2006), donde mostró el conflicto de intereses entre la reina Isabel II y la memoria de la difunta Lady Di, mientras en esta película que ofreciese suntuosos interiores, paisajes épicos y lujosos atuendos que el público esperase ver en un drama histórico, brindándoles al mismo tiempo una historia de amistad y lealtad que quizá no esperasen.

"La vida es una gran aventura", esta frase define a la perfección esta película, donde la vida es una complicada aventura que debe ser vivida en su plenitud, con felicidad, y eso justamente es lo que le faltaba a la reina, que pasó de una vida aburrida, monótona, sin sentido y sin alicientes, a tener una vida plena y feliz, gracias a su amistad con un sirviente, todo un ejemplo que la amistad no entiende de clases sociales, ni de diferencias culturales, todo un ejemplo que todos deberíamos seguir.





JACQUES



Título Original: L´Odysee. Dirigida: Jérôme Salle. Guión: Jérôme Salle y Laurent Turner (libro: Jean-Michel Cousteau, Albert Falco). Género: Aventura / Drama / Biopic. País: Francia. Año: 2016. Intérpretes: Lambert Wilson (Jaques), Audrey Tautou (Simone), Pierre Niney (Philippe), Michael Bundred. Música: Alexandre Desplat. Duración: 122 min. Estreno en España: 15 de Septiembre.


1948. Jacques Cousteau (Lambert Wilson) y su esposa (Audrey Tautou) deciden lanzarse a la aventura y cumplir el sueño de Jacques de recorrer los océanos e investigar lo inexplorado, el mundo submarino. Este trayecto, a bordo del Calypso, se convertirá en la odisea de toda una vida dedicada a la ciencia, la fama y la televisión, que convertirá a Cousteau en todo un mito y lo llevará a auténticos paraísos remotos. Pero la de Cousteau es una historia de luces y sombras, también marcada con los conflictos de Jacques con su pareja y sus hijos Philippe (Pierre Niney) y Jean-Michel y por la terrible tragedia que los golpearía unos años después. Cousteau descubrió un nuevo mundo, llega el momento de descubrirlo a él.




Crecí viendo los documentales de Félix Rodríguez de la Fuente y Jacques Cousteau, por eso decidí ir a ver "Jacques", para saber más sobre aquel hombre que me hizo descubrir las profundidades del mar, con su visión, su pasión y su sueño, y ese no es otro que preservar el ecosistema marino antes que sea demasiado tarde.

Lambert Wilson - JACQUES

"Mira todo ese agua, un mundo entero por descubrir", la película no solo nos sumerge, una vez más, en ese precioso mundo submarino, sino que nos adentra en la vida del célebre comandante, a través de el guión escrito por Laurent Turner y Jérôme Salle, siendo este una adaptación de algunos libros dedicados a su vida escritos tanto por su hijo Philippe, capitán del Calipso, como por su mano derecha Albert Falcó, mostrándonos como empezó su aventura de amor y fascinación por el mar, su retrato no es amble, muestra unos principios duros, donde llega a pactar con petroleras para financiar sus primeras expediciones, su constante lucha por conseguir fondos para llevar sus sueños adelante, el descuido hacia su mujer e hijos, acaba en una relación amor-odio con su hijo Philippe, un ecologista nato quien acabará convenciendo a su padre que preservar el fondo marino debería ser el camino a seguir, "hace más de 30 años, descubrí un nuevo mundo y quise conquistarlo, cuando solo tenía que protegerlo".


Este es el quinto largometraje del francés Jérôme Salle, un director que nos tiene muy acostumbrados al thriller, tanto policiaco como el de acción, con títulos como, "el secreto de Anthony Zimmer", seguro no te sueno, aunque seguramente conocerás el remake que se hizo de él "the tourist", sus títulos más conocidos son sus dos adaptaciones de Largo Winch y "Zulú", un drama policíaco ambientado en la Sudáfrica del apartheid.

"Cuando te sumerges bajo el agua, estás en un estado de ingravidez total, allí abajo el azul se vuelve cada vez más intenso", en esta, nos deleita con unas imágenes de gran belleza, cambiando totalmente de género, adentrándose sin miedo en un drama tanto personal como familiar, mostrando no solo su lado más intimo sino las luces y sombras de un hombre cuyo gran mérito no solo fue adentrarnos a todos por primera vez en el fondo marino, sino la gran cantidad de artefactos ideados para la perfecta simbiosis entre el hombre y el mar.


Si por algo destaca esta película es por el excelso trabajo de mimetismo, pues el actor Lambert Wilson, es Jaques, sus andares, su delgadez, su bronceado, su gorro, todo ello denota un profundo estudio del personaje, seguramente estará nominado a los Oscars, su mujer está interpretada por Audrey Tatou, "Amelie",  quien llena al personaje de fuerza y humanidad, ejemplo de la mujer devota, que sufre en silencio las relaciones extramatrimoniales de su marido, su hijo Philippe está interpretado por un Pierre Niney, "Frantz"(crítica), consolidándose como un auténtico valor de futuro.

"Jacques", es drama que te atrapa desde el principio, sumergiéndote en un viaje al pasado, que tiene su trascendencia en el presente, pues deja un gran mensaje que parece habíamos olvidado, cuidemos el fondo marino, menos mal que siempre estará él para recordárnoslo.